Las obras de arte del antiguo Egipto han fascinado a la gente durante miles de años. Los primeros artistas griegos y los posteriores romanos se vieron influenciados por las técnicas egipcias y su arte inspiraría a los de otras culturas hasta la actualidad. Se conocen muchos artistas de épocas posteriores, pero los de Egipto son completamente anónimos y por una razón muy interesante: su arte era funcional y se creaba con un fin práctico, mientras que el arte posterior estaba destinado al placer estético.
El arte funcional es un trabajo hecho por encargo, que pertenece al individuo que lo encargó, mientras que el arte creado por placer -aunque sea por encargo- permite una mayor expresión de la visión del artista y, por tanto, el reconocimiento de un artista individual.
Un artista griego como Fidias (c. 490-430 a.C.) entendía sin duda los fines prácticos de la creación de una estatua de Atenea o Zeus, pero su objetivo principal habría sido hacer una pieza visualmente agradable, hacer «arte» tal y como la gente entiende hoy esa palabra, no crear una obra práctica y funcional.
Todo el arte egipcio tenía una finalidad práctica: una estatua contenía el espíritu del dios o del difunto; una pintura en la tumba mostraba escenas de la vida en la tierra para que el espíritu de la persona pudiera recordarla o escenas del paraíso que se esperaba alcanzar para saber cómo llegar a él; los amuletos protegían de los daños; las figurillas alejaban a los espíritus malignos y a los fantasmas enfadados; los espejos de mano, los mangos de los látigos y los gabinetes de cosméticos tenían una finalidad práctica y la cerámica se utilizaba para beber, comer y almacenar.
El egiptólogo Gay Robins señala:
El «arte por el arte» era desconocido y probablemente habría sido incomprensible para un antiguo egipcio que entendía el arte como algo funcional por encima de todo.
Aunque el arte egipcio es muy apreciado hoy en día y sigue siendo un gran atractivo para los museos que presentan exposiciones, los propios egipcios antiguos nunca habrían pensado en su trabajo de esta misma manera y, ciertamente, encontrarían extraño tener estos diferentes tipos de obras expuestas fuera de contexto en la sala de un museo.
La estatuaria fue creada y colocada por una razón específica y lo mismo ocurre con cualquier otro tipo de arte. El concepto de «arte por el arte» era desconocido y, además, probablemente habría sido incomprensible para un antiguo egipcio que entendía el arte como algo funcional por encima de todo.
Tabla de contenidos
La simetría del arte del antiguo egipcio
Esto no quiere decir que los egipcios no tuvieran sentido de la belleza estética. Incluso los jeroglíficos egipcios se escribían teniendo en cuenta la estética. Una frase jeroglífica podía escribirse de izquierda a derecha o de derecha a izquierda, de arriba a abajo o de abajo a arriba, dependiendo totalmente de cómo afectara la elección a la belleza de la obra terminada.
En pocas palabras, cualquier obra debía ser bella, pero la motivación para crear se centraba en un objetivo práctico: la función. Aun así, el arte egipcio es constantemente admirado por su belleza y esto se debe al valor que los antiguos egipcios daban a la simetría.
El equilibrio perfecto en el arte egipcio refleja el valor cultural de la ma ‘at (armonía), que era fundamental para la civilización. El ma’at no era sólo el orden universal y social, sino el tejido mismo de la creación que surgió cuando los dioses hicieron el universo ordenado a partir del caos indiferenciado. El concepto de unidad, de unicidad, era este «caos», pero los dioses introdujeron la dualidad -la noche y el día, lo femenino y lo masculino, la oscuridad y la luz- y esta dualidad estaba regulada por ma‘at.
Por esta razón, los templos egipcios, los palacios, las casas y los jardines, la estatuaria y las pinturas, los anillos de sello y los amuletos se crearon teniendo en cuenta el equilibrio y todos reflejan el valor de la simetría. Los egipcios creían que su tierra había sido hecha a imagen y semejanza del mundo de los dioses y que, cuando alguien moría, iba a un paraíso que le resultaba muy familiar.
Cuando se fabricaba un obelisco egipcio siempre se creaba y levantaba un gemelo idéntico y se pensaba que estos dos obeliscos tenían reflejos divinos, hechos al mismo tiempo, en la tierra de los dioses. Los patios de los templos estaban dispuestos a propósito para reflejar la creación, el ma’at, el heka(la magia) y el más allá con la misma simetría perfecta que los dioses habían iniciado en la creación. El arte reflejaba la perfección de los dioses y, al mismo tiempo, cumplía una función práctica en el día a día. ¿Le gusta la historia?
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Progresión histórica
El arte de Egipto es la historia de la élite, la clase dirigente. A lo largo de la mayor parte de los periodos históricos de Egipto, las personas con medios más modestos no podían permitirse el lujo de contar con obras de arte para narrar su historia, y es en gran medida a través del arte egipcio como se ha llegado a conocer la historia de la civilización. Las tumbas, las pinturas funerarias, las inscripciones, los templos, incluso la mayor parte de la literatura, se ocupan de la vida de la clase alta y sólo a través de la narración de estas historias se revelan las de las clases bajas. Este paradigma ya estaba establecido antes de la historia escrita de la cultura.
El arte comienza en el periodo predinástico de Egipto (c. 6000 – c. 3150 a.C.) a través de dibujos rupestres y cerámicas, pero se materializa plenamente en el periodo dinástico temprano (c. 3150 – c. 2613 a.C.) en la famosa Paleta de Narmer.
La Paleta de Narmer (c. 3150 a.C.) es un plato ceremonial de dos caras de piedra limosa intrincadamente tallado con escenas de la unificación del Alto y Bajo Egipto por el rey Narmer. La importancia de la simetría es evidente en la composición, que presenta las cabezas de cuatro toros (símbolo de poder) en la parte superior de cada lado y la representación equilibrada de las figuras que narran la historia. La obra se considera una obra maestra del arte del periodo dinástico temprano y muestra lo avanzados que estaban los artistas egipcios de la época.Eliminar anunciosPublicidad
La obra posterior del arquitecto Imhotep (c. 2667-2600 a.C.) en la pirámide del rey Djoser (c. 2670 a.C.) refleja lo mucho que habían avanzado las obras de arte desde la paleta de Narmer. El complejo piramidal de Djoser está intrincadamente diseñado con flores de loto, plantas de papiro y símbolos djed en alto y bajo relieve, y la propia pirámide, por supuesto, es una prueba de la habilidad egipcia para trabajar la piedra en obras de arte monumentales.
Durante el Reino Antiguo de Egipto (c. 2613-2181 a.C.) el arte se estandarizó por parte de la élite y las figuras se produjeron uniformemente para reflejar los gustos de la capital en Menfis. La estatuaria de finales de la Dinastía Temprana y de principios del Reino Antiguo es muy similar, aunque otras formas de arte (pintura y escritura) muestran más sofisticación en el Reino Antiguo.
Las mayores obras de arte del Reino Antiguo son las pirámides y la Gran Esfinge de Giza, que aún se mantienen en pie, pero se crearon monumentos más modestos con la misma precisión y belleza. El arte y la arquitectura del Reino Antiguo, de hecho, fueron muy valorados por los egipcios en épocas posteriores. Algunos gobernantes y nobles (como Khaemweset, cuarto hijo de Ramsés II) encargaron a propósito obras de estilo del Reino Antiguo, incluso el hogar eterno de sus tumbas.
En el Primer Periodo Intermedio de Egipto (2181 -2040 a.C.), tras el colapso del Reino Antiguo, los artistas pudieron expresar sus visiones individuales y regionales con mayor libertad. La falta de un gobierno central fuerte que encargara obras significaba que los gobernadores de los distritos podían requisar piezas que reflejaran su provincia. Estos diferentes distritos también descubrieron que tenían más ingresos disponibles, ya que no enviaban tanto a Menfis.
El mayor poder económico local inspiró a más artistas a producir obras con su propio estilo. La producción en masa comenzó también durante el Primer Periodo Intermedio y esto condujo a una uniformidad en las obras de arte de una región determinada que las hacía a la vez distintivas pero de menor calidad que las del Reino Antiguo. El mejor ejemplo de este cambio es la producción de muñecas shabti para el ajuar funerario, que antes se hacían a mano. Quitar AdsAdvertisement
El arte florecería durante el Reino Medio de Egipto (2040-1782 a.C.), que suele considerarse el punto álgido de la cultura egipcia. La estatuaria colosal comenzó durante este periodo, así como el gran templo de Karnak en Tebas. El idealismo de las representaciones del Viejo Reino en estatuas y pinturas fue sustituido por representaciones realistas y las clases bajas también se encuentran representadas en el arte con más frecuencia que antes.
El Reino Medio dio paso al Segundo Periodo Intermedio de Egipto (c. 1782 – c. 1570 a.C.), durante el cual los hicsos ocuparon amplias zonas de la región del Delta, mientras que los nubios invadían desde el sur. El arte de este periodo producido en Tebas conserva las características del Reino Medio, mientras que el de los nubios y los hicsos -ambos admiraban y copiaban el arte egipcio- difiere en tamaño, calidad y técnica.
El arte del Reino Nuevo se define por la alta calidad en la visión y la técnica, debido en gran medida a la interacción de Egipto con las culturas vecinas.
El Reino Nuevo (c. 1570 – c. 1069 a.C.), que siguió, es el periodo más conocido de la historia de Egipto y produjo algunas de las obras de arte más finas y famosas. El busto de Nefertiti y la máscara mortuoria de oro de Tutankamón proceden de esta época.
El arte del Nuevo Reino se define por la alta calidad de la visión y la técnica, debido en gran medida a la interacción de Egipto con las culturas vecinas. Esta fue la época del imperio egipcio y las técnicas de trabajo del metal de los hititas -que ahora se consideraban aliados, si no iguales- influyeron enormemente en la producción de artefactos funerarios, armamento y otras obras de arte.
Tras el Nuevo Reino, el Tercer Periodo Intermedio (c. 1069-525 a.C.) y el Periodo Tardío del Antiguo Egipto (525-332 a.C.) intentaron, con mayor o menor éxito, continuar con el alto nivel del arte del Nuevo Reino, evocando al mismo tiempo los estilos del Antiguo Reino en un esfuerzo por recuperar la decadente estatura de Egipto. La influencia persa en el periodo tardío es sustituida por los gustos griegos durante la dinastía ptolemaica (323-30 a.C.), que también intenta sugerir los estándares del Reino Antiguo con la técnica del Reino Nuevo, y este paradigma persiste hasta el Egipto romano (30 a.C. – 646 d.C.) y el fin de la cultura egipcia.
Tipos de arte, detalles y símbolos
A lo largo de todas estas épocas, los tipos de arte fueron tan numerosos como la necesidad humana, los recursos para hacerlos y la capacidad de pagarlos. Los ricos de Egipto tenían espejos de mano adornados, estuches y tarros de cosméticos, joyas, vainas decoradas para cuchillos y espadas, arcos intrincados, sandalias, muebles, carros, jardines y tumbas. Cada aspecto de cualquiera de estas creaciones tenía un significado simbólico.
Del mismo modo que el motivo del toro en la Paleta de Narmer simbolizaba el poder del rey, cada imagen, diseño, ornamentación o detalle significaba algo relacionado con su propietario.
Uno de los ejemplos más evidentes es el trono de oro de Tutankamón (c. 1336-1327 a.C.), que representa al joven rey con su esposa Ankhsenamun. La pareja está representada en un tranquilo momento doméstico en el que la reina frota ungüento en el brazo de su marido mientras éste está sentado en una silla. Su estrecha relación se establece por el color de su piel, que es el mismo.
Los hombres suelen ser representados con la piel rojiza porque pasaban más tiempo al aire libre, mientras que para la piel de las mujeres se utilizaba un color más claro, ya que eran más propensas a permanecer alejadas del sol. Esta diferencia en la tonalidad de la piel no representaba igualdad o desigualdad, sino que era simplemente un intento de realismo.
Sin embargo, en el caso del trono de Tutankamón, la técnica se utiliza para expresar un aspecto importante de la relación de la pareja. Otras inscripciones y obras de arte dejan claro que pasaban la mayor parte del tiempo juntos y el artista lo expresa a través de sus tonos de piel compartidos; Ankhesenamun está tan bronceada como Tutankamón. El rojo utilizado en esta composición también representa la vitalidad y la energía de su relación.
El cabello de la pareja es azul, símbolo de la fertilidad, la vida y el renacimiento, mientras que sus ropas son blancas, representando la pureza. El fondo es dorado, el color de los dioses, y todos los intrincados detalles, incluidas las coronas que llevan las figuras y sus colores, tienen su propio significado específico y sirven para contar la historia de la pareja protagonista.
Una espada o un estuche de cosméticos se diseñaban y creaban con este mismo objetivo: contar una historia. Incluso el jardín de una casa contaba una historia: en el centro había un estanque rodeado de árboles, plantas y flores que, a su vez, estaban rodeados por un muro y se accedía al jardín desde la casa a través de un pórtico de columnas decoradas.
Todo ello se disponía cuidadosamente para contar una historia significativa para el propietario. Aunque los jardines egipcios desaparecieron hace tiempo, se han encontrado maquetas realizadas como ajuar funerario que muestran el gran cuidado que se ponía en su disposición narrativa.
En el caso de la noble Meket-Ra de la XI Dinastía, el jardín fue diseñado para contar la historia del viaje de la vida al paraíso. Las columnas del pórtico tenían forma de flor de loto, lo que simbolizaba su hogar en el Alto Egipto, el estanque del centro representaba el Lago de los Lirios que el alma debía cruzar para llegar al paraíso, y el muro del jardín más alejado estaba decorado con escenas del más allá. Cada vez que Meket-Ra se sentaba en su jardín, recordaba la naturaleza de la vida como un viaje eterno, lo que probablemente le daría perspectiva ante cualquier circunstancia que pudiera ser problemática en ese momento.
Técnicas
Las pinturas de las paredes de Meket-Ra habrían sido realizadas por artistas que mezclaban colores hechos con minerales naturales. El negro se hacía con carbón, el rojo y el amarillo con óxidos de hierro, el azul y el verde con azurita y malaquita, el blanco con yeso, etc. Los minerales se mezclaban con materia orgánica triturada hasta alcanzar diferentes consistencias y luego se mezclaban con una sustancia desconocida (posiblemente clara de huevo) para hacerla pegajosa y que se adhiriera a una superficie. La pintura egipcia era tan duradera que muchas obras, incluso las que no estaban protegidas en las tumbas, han permanecido vivas después de más de 4.000 años.
Aunque las paredes de las casas, los jardines y los palacios solían estar decoradas con pinturas planas bidimensionales, las paredes de las tumbas, los templos y los monumentos empleaban relieves. Había altorrelieves (en los que las figuras sobresalen de la pared) y bajorrelieves (en los que las imágenes están talladas en la pared). Para crearlos, la superficie del muro se alisaba con yeso que luego se lijaba.
Un artista creaba una obra en miniatura y luego dibujaba líneas de cuadrícula en ella y esta cuadrícula se dibujaba en la pared. Utilizando la obra en miniatura como modelo, el artista sería capaz de replicar la imagen en las proporciones correctas en la pared. Primero se dibuja la escena y luego se perfila con pintura roja. Las correcciones de la obra se anotaban, posiblemente por otro artista o supervisor, con pintura negra y, una vez resueltas, se tallaba y pintaba la escena.
La pintura también se utilizaba en las estatuas de madera, piedra o metal. El trabajo en piedra se desarrolló por primera vez en el periodo dinástico temprano de Egipto y se fue refinando a lo largo de los siglos. El escultor trabajaba a partir de un solo bloque de piedra con un cincel de cobre, un mazo de madera y herramientas más finas para los detalles. A continuación, la estatua se alisaba con un paño para frotar. La piedra de una estatua se seleccionaba, como todo en el arte egipcio, para contar su propia historia. Una estatua de Osiris, por ejemplo, se hacía de esquisto negro para simbolizar la fertilidad y el renacimiento, ambos asociados a este dios en particular.
Las estatuas de metal solían ser pequeñas y estaban hechas de cobre, bronce, plata y oro. El oro era especialmente popular para los amuletos y las figuras de santuario de los dioses, ya que se creía que éstos tenían la piel dorada. Estas figuras se hacían mediante fundición o trabajo de chapa sobre madera.
Las estatuas de madera se tallaban a partir de diferentes trozos de árboles y luego se pegaban o clavaban. Las estatuas de madera son raras, pero se han conservado algunas que muestran una gran habilidad.
También se fabricaban cofres para cosméticos, ataúdes, maquetas de barcos y juguetes. Las joyas se fabricaban habitualmente con la técnica conocida como cloisonné, en la que se incrustan finas tiras de metal en la superficie de la obra y luego se cuecen en un horno para forjarlas y crear compartimentos que luego se detallan con joyas o escenas pintadas. Uno de los mejores ejemplos de joyas de cloisonné es el colgante del Reino Medio que Senusret II (c. 1897-1878 a.C.) regaló a su hija.
Esta obra está formada por finos hilos de oro unidos a un soporte de oro macizo con incrustaciones de 372 piedras semipreciosas. El cloisonné también se utilizaba para fabricar pectorales para el rey, coronas, tocados, espadas, dagas ceremoniales y sarcófagos, entre otros objetos.
Conclusión y resumen del arte del antiguo Egipto
Aunque el arte del antiguo egipcio es muy admirado, ha sido criticado por su falta de refinamiento. Los críticos afirman que los egipcios no parecen haber dominado nunca la perspectiva, ya que no hay juego de luces y sombras en las composiciones, siempre son bidimensionales, y las figuras carecen de emoción. Se afirma que la estatuaria que representa a parejas no muestra ninguna emoción en los rostros y lo mismo ocurre con las escenas de batalla o las estatuas de un rey o una reina.
Estas críticas no reconocen la funcionalidad del arte egipcio. Los egipcios entendían que los estados emocionales son transitorios; uno no está constantemente feliz, triste, enfadado, contento a lo largo de un día determinado y mucho menos eternamente.
Las obras de arte presentan a las personas y a las deidades formalmente sin expresión porque se pensaba que el espíritu de la persona necesitaría esa representación para vivir en la otra vida. El nombre y la imagen de una persona debían sobrevivir de alguna forma en la tierra para que el alma continuara su viaje. Esta era la razón de la momificación y de los elaborados rituales funerarios egipcios: el espíritu necesitaba una especie de «faro» al que volver cuando visitaba la tierra para alimentarse en la tumba.
El espíritu podría no reconocer una estatua de una versión enfadada o jubilosa de sí mismo, pero sí sus rasgos estables y complacientes. La falta de emoción tiene que ver con el propósito eterno de la obra. Las estatuas se hacían para ser vistas de frente, normalmente de espaldas a la pared, para que el alma reconociera fácilmente a sus antiguos seres y esto también era cierto para los dioses y diosas que se pensaba que vivían en sus estatuas.
La vida era sólo una pequeña parte de un viaje eterno para los antiguos egipcios y su arte refleja esta creencia. Una estatua o un estuche de cosméticos, una pintura mural o un amuleto, cualquiera que fuera la forma que adoptara la obra de arte, estaba hecha para durar mucho más allá de la vida de su propietario y, lo que es más importante, para contar la historia de esa persona, así como para reflejar los valores y las creencias egipcias en su conjunto. El arte egipcio ha cumplido bien este propósito, ya que sigue contando su historia desde hace miles de años.
